Ring (Teatro)



LLEGA LA VERSIÓN ARGENTINA DE LA OBRA ACLAMADA EN FRANCIA
 RING
DE LEONORE CONFINO
DIRIGIDA POR CATHERINE SCHAUB
VERSIÓN CASTELLANA: KADO KOSTZER

Nuestras certezas y supuestos sobre la pareja son pulverizados, entre abrazos y uppercuts, con ferviente energía por Rosario Audras y Diego de Paula.

Actores: Rosario Audras y Diego de Paula
Escenografía: Elodie Monet
Iluminación:Francisco Hindryckx
Creación video: Mathias Delfau
Coreografía: Magali B.
Vestuario: Julia Allègre
Música: Bastien Burger
Asistente de dirección: Sophie Tirouflet
El texto original en francés fue publicado por L’oeil du Prince
Autora: Léonore Confino
Versión castellana: Kado Kostzer
Dirección: Catherine Schaub

Una producción de Rosario Audras, Stéphane C y Michel Isnard


12 únicas funciones
Funciones: martes 21.30 hs. hasta el 25 de abril

Duración: 75 minutos.

El Portón de Sánchez
Sánchez de Bustamante 1034
Tel: (011) 4863-2848

Entradas: $ 200  y $ 150  (descuento a estudiantes y jubilados)

Rita Cortese y Cristina Banegas (Música y Teatro)



Sábado 8 de abril 21 hs. 
Rita Cortese + Cristina Banegas
siguen presentando
Canciones bárbaras
en el teatro Roma de Avellaneda
Artista invitada: Nelly Prince

Las canciones "bárbaras" que presentan las actrices y cantantes, Rita Cortese y Cristina Banegas, muestran la mirada de las mismas sobre el arte, la vida y el contexto cultural existente.
En un show único, estas grandes actrices muestran otra faceta sobre el escenario. Vuelven a presentarse luego de agotar entradas en enero y febrero.
Rita Cortese y Cristina Banegas, con Nelly Prince como artista invitada junto a Martín Jurado en piano, Federico Vazquez en bandoneón y Aldo Vallejos y Ariel Argañaraz en guitarra, se presentarán esta vez en el teatro Roma de Avellaneda.

TEATRO ROMA
Sarmiento 109, Avellaneda, Buenos Aires
Teléfono: 011 4205-9647
Entradas: $ 200

ESKOFF (Teatro)

Mi recomendación: 
El unipersonal protagonizado por Marcelo Katz bajo la dirección de Martín Joab, se presenta todos los viernes a las 22.30 horas en el teatro La carpintería. Se trata de una obra minimalista, sencilla donde el protagonista está en contacto con público rompiendo la cuarta pared desde el principio. Es un personaje entrañable que nos permitirá entrar en su vida, conocer sus miedos, reírnos con sus chistes, mientras va en busca de una ciudad misteriosa empujando su carrito, que funciona como la maleta de Mary Poppins, porque de él saldrán una serie de objetos mágicos que lo llevaran por esta aventura. El personaje no está solo, porque lo acompaña su alter ego, o como quieran llamarlo. La transformación de Marcelo Katz es muy buena y crea una complicidad inmediata con el público.     

ESKOFF
Funciones: Viernes 22.30 hs.
En La Carpintería -Jean Jaures 858-
Entradas generales a $250 y $ 200 para jubilados y estudiantes  por alternativateatral.com.ar

Albert Pla (Música)


ALBERT PLA

 Los días 8, 9 y 10 de Marzo a las 21 horas en La tangente 
Honduras 5329
Palermo CABA
Entradas: Desde 300 pesos 


El juglar español vuelve a traer su guitarra y sus canciones a Buenos Aires el 8, 9 y 10 de marzo para reencontrarse con su público en La Tangente, el nuevo club de melómanos de Palermo.
 

Ya nos tiene acostumbrados a sus visitas desde 2001, cuando vino por primera vez con Andy Chango, y a partir de ahí se presentó con distintos formatos en varias salas de Buenos Aires (Niceto, La Trastienda, ND, hasta en el Faena y el Salón Pueyrredón), siempre con su manera particular de contar historias en las que los buenos pueden ser brutalmente violentos y los malos nos enternecen. Sus canciones cuentan historias trágicas y delirantes, cotidianas y sorprendentes, delicadas y crueles, crudas y surreales, en las que el verdugo es también víctima, la calma se transforma en tormenta, la comedia convive con la tragedia y la serenidad desemboca en el desenfreno. Se escucharan en una sala recientemente inaugurada. La próxima visita de Albert Pla a nuestra ciudad es tan especial: porque es uno de los primeros artistas internacionales que se presenta en La Tangente.
  
Albert Pla
 
Tiene más de 25 años de actividad musical, teatral y cinematográfica. Con sus shows y temas se ganó la admiración de un público que disfruta no sólo de su música, sino también de sus puestas en escena. Nació en Cataluña en 1966 y se hizo cantautor nadando en una piscina en el colegio de Sabadell. Es que nadar diez kilómetros al día todos los días durante años le dio mucho tiempo para pensar. Tiene 3 hijas y ninguna creencia religiosa. “Jamás he votado, no me interesa arreglar el mundo”, dijo en una entrevista con el diario La Vanguardia, en la misma en que contó que su canción favorita es “Amanecí otra vez” de José Alfredo Jiménez, porque “cada línea es absurda, insostenible, el conjunto es delicioso.” 
 
Protagonizó la obra “Caracuero”, dirigida por Pepe Miravete, en más de 150 representaciones. Ha participado en la música de largometrajes: con el tema “Sufre como yo” en la banda sonora de la película “Carne Trémula” de Pedro Almodóvar y con la canción "El día de la Bestia" junto a Extremoduro en la versión original del film homónimo de Alex de La iglesia. Ha colaborado en las producciones “Airbag” de Juanma Bajo Ulloa, con su presencia actoral y con la canción "Soy Rebelde". Trabajó como actor en “A los que aman” de Isabel Coixet, “Honor de caballería” de Albert Serra, “De Nens” de Joaquím Jordà, “Memorias de Tortuga” de Frederic Amat, en “Murieron por encima de sus posibilidades” de Isaki Lacuesta y “El Rey Gitano” de Juanma Bajo Ulloa.
 
En 2015 publicó el libro “España de Mierda”, que escribió durante unas vacaciones familiares en Uruguay. Ahí fue donde, de casualidad, conoció a los artistas del colectivo argentino Mondongo, que luego se ocuparon del arte de tapa.
 
 
“Albert Pla asume muy a gusto el papel de bufón ácrata, de inadaptado que hurga en las llagas de la sociedad con su voz sibilante y su sonrisa de máscara grotesca, pero también habrá que reconocer las demás facetas de un creador sensible, juguetón y desmitificador que lleva un cuarto de siglo produciendo material de insólita originalidad.” (www.elcorreo.com<http://www.elcorreo.com/> )

Entrevista a Silvia Plager (Libros)

Foto de Alejandra López
Entrevisté a la talentosa escritora Silvia Plager sobre su última novela "Complacer", nos contó acerca de la trama de la novela, la creación de los personajes y sobre su historia personal como escritora. Los invito a leer esta interesante entrevista y a disfrutar de la novela publicada por Penguin Random House. 

1. ¿Cómo fue tu infancia en relación a los libros? 
Una fascinación que me apartaba a veces de otras actividades propias de la infancia. Me tragaba los libros y leía hasta los papeles del diario en que envolvían la verdura.

2. ¿Quiénes fueron tus maestros? 
Los grandes escritores, clásicos y contemporáneos. Primero los rusos, Tolstoi, Dostoiewski, Chéjov, Gogol... A los 16 años comencé a comprar en cuotas la colección Premios Nobel de la editorial Aguilar. Venían en papel biblia, era mi orgullo y fuente de aprendizaje. Por mi actitud de lectora promiscua, tampoco desechaba los best sellers ni los escritores de culto, a veces herméticos en mi adolescencia. Suelo decir que mi vida cambió cuando entré en el taller literario del escritor Roger Plá. Con él aprendí que si deseaba ser una escritora debía leer además de ficción, historia, filosofía y corregir mucho. Porque como dijo Leonardo Da Vinci, "la estatua se hace con el mármol que se quita".

3. ¿Cuál fue tu primer obra publicada?
"Amigas", novela previamente premiada en un Concurso auspiciado por el diaro El Día de la Plata que publicó Galerna. El tema central era la relación entre amigas cuarentonas que se conocían desde la secundaria y la búsqueda de la libertad de cada una de ellas en una sociedad represiva. Yo ya venía colaborando con suplementos culturales y mi nombre comenzaba a circular. En Galerna me trataron muy bien. Eran épocas difíciles (1982) y, cuando salió,  "Prohibido Despertar" con el advenimiento de la democracia, a la presentación vinieron escritores, políticos, periodistas. Fue emocionante. De allí salté a Planeta y hasta hoy mis libros salen en editoriales grandes, los últimos de mis veintitrés, en Penguin Random House.  


4. ¿Cuál es la trama de tu última novela "Complacer"? 
Son cuatro historias que entrelazan el amor, los vínculos, la identidad y que desenmascaran los secretos más íntimos de abuela, madre, hija y nieta. Con la prolongación de la expectativa de vida es frecuente que las distintas generaciones de una misma familia intercambien experiencias y nazcan encuentros y rechazos a pesar de los lazos de sangre y el cariño. Y tras los misterios y los desafíos propios de las edades de las protagonistas, afloran las pasiones. A mí entender, la más sorpendente es la de la bisabuela de 86 años.  

5. ¿Por qué el título "Complacer"? 
Las mujeres criadas para complacer a los demás terminan aprendiendo la importancia de también complacerse a sí mismas y encontrar su rumbo, a pesar de las imposiciones sociales y los miedos. De los intrusos que arrasan con la aparente calma familiar surgirán las intrigas que desembocarán en revelaciones inesperadas y, tal vez, salvadoras. 

6. ¿Cómo fue la creación de los personajes y la trama? 
Trabajosa y placentera. Cada personaje debía tener su propia voz y, a medida que las acciones lo exigieran, ser coherentes y verosímiles. Coherencia que se asocia con la ambiguedad que nos caracteriza a los seres humanos y que nos aleja de los estereotipos. El marco histórico es el actual y los desafíos son los propios de una ciudad  de enormes contrastes.      

7. ¿Tiene algunas cosas verídicas?
Eso lo define el lector ya que, por las repercusiones positivas recogidas hasta ahora, la mayoría buscó cuánto había de ellos mismos en personajes y situaciones. No importa cuánto hay del autor en una novela sino qué provoca en quienes, según Nabokov, terminan encontrándose con el creador del libro después de escalar por las aventuras de sus criaturas. Ese encuentro es lo verídico.    

8. ¿Cómo definirías la novela?
Hay ingredientes propios de la literatura romántica y de la policial.  Es una novela coral en la que resuenan los distintos instrumentos sin generar confusiones. Quizás haya una transparencia engañosa que encierra en su carozo el enigma del alma de cada personaje.  

9. ¿Cómo fue tu relación con la editorial?
Excelente. Ya llevó publicados en Penguin Random House, bajo el sello de Sudamericana, siete libros.

10. ¿Cuál es tu próximo proyecto? 

Una novela que transcurra en una ciudad de Europa. No doy más detalles porque no me gusta hablar de algo que solo es un proyecto. Lo que sí, tengo claro, es que quiero continuar escribiendo y publicando. 

Íconos argentinos - Homenaje nueva exposición en el Centro Cultural Recoleta (Arte)


Alejandro Urdapilleta, Batato Barea, Cris Miró, Norma Pons, Astor Piazzolla, Ringo Bonavena, y más íconos argentinos bajo la mirada de Gianni Mestichelli.

El próximo martes 10 de enero, 19 h, tendrá lugar en Centro Cultural Recoleta la inauguración de Íconos argentinos - Homenaje, una muestra que captura a través de la fotografía gestos mínimos, respiraciones y miradas de icónicas figuras argentinas. Con fotos de Gianni Mestichelli y curada por Renata Schussheim se podrá recorrer hasta el 24 de marzo, en las salas 3, 4 y 5 del CCR.

Íconos argentinos - Homenaje esta conformada por más de 60 personajes de diversos mundos e inspiraciones que han dejado una huella en la historia argentina. Actores, actrices, performers, escritores, artistas plásticos, poetas, cantantes, periodistas, compositores, cineastas, productores, directores, deportistas, políticos y músicos, son algunos de los perfiles que desplegarán su contemporaneidad en el CCR, bajo la mirada del destacado fotógrafo Gianni Mestichelli.
La muestra cuenta con la curaduría de la reconocida y destacada artista plástica, dibujante, ilustradora y diseñadora de vestuario Renata Schussheim quien afirma: “Siempre me gustaron las fotos de Gianni Mestichelli, pegadas distraídamente en las paredes de su mini estudio. Su habilidad para estar en los lugares más extraños y en los momentos indicados hacen de su material algo particular, más relacionado con los intervalos de la gestualidad que con la típica actitud del retratado. Gianni captura gestos mínimos, respiraciones y miradas, como la socarrona de Bonavena dirigida al humo de su cigarrillo, o desafiante como la de Urdapilleta, o triste como la de Batato. Compartir éstas icónicas imágenes, tan argentinas, es para mí una fantasía hecha realidad.”
Por su parte Gianni Mestichelli destaca: “Es casi un lugar común decir que la fracción de segundo que requiere una fotografía es más que suficiente para eternizar una imagen. Todavía a 35 años de profesión cuando estoy buscando entre fotos viejas no puedo dejar de emocionarme encontrando en cada imagen, momentos y personajes, con estas fotos quisiera que cada espectador sienta lo mismo. Ellos estuvieron y se han ido, este es mi humilde homenaje.”

Fotos: Gianni Mestichelli | Curadora: Renata Schussheim | Asistente de curaduría: Romina del Prete | Música: Damián Laplace | Diseño gráfico: Pablo Bologna | Investigación de textos: Valeria Groisman

Como si pasara un tren (Teatro)


COMO SI PASARA UN TREN
Escrita y dirigida por Lorena Romanin

Una comedia dramática sobre la vulnerable relación de una madre y su hijo en una ciudad de campo. La llegada de una prima de la capital va a cambiar todo para siempre.

Elenco: Silvia Villazur, Guido Botto Fiora y Luciana Grasso
 
Escenografía y vestuario: Isabel Gual (Laisa Wall)
Realización escenografía: Estudio WERKPLATZ
Coreografía: Juan Branca
Diseño de iluminación: Damián Monzón
Diseño gráfico: Fermín Vissio
Fotos: Male&Dapa fotos - Diego Mares
Producción: Brenda Lucía Carlini y Carolina Alfonso
Prensa y difusión: Carolina Alfonso
Asistencia de dirección: Mariano Mandetta
Dramaturgia y dirección: Lorena Romanin


Reestreno: 6 de enero 2017 con cambio de horarios:
Funciones: viernes y sábados 20 y 22 hs. hasta mediados de febrero

Duración: 70 minutos.

EL CAMARÍN DE LAS MUSAS
Mario Bravo 960. Reservas: 4862-0655.
Entradas: $ 200, $ 150 (estudiantes y jubilados con acreditación) y $ 100 (menores de 30 años presentando DNI).

Orquesta de señoritas (Teatro)


Orquesta de Señoritas
De Jean Anouilh (en versión de Jorge Paccini)
LOS ACTORES: NORBERTO GONZALOEDGARDO NIEVAJORGE PACCINICARLOS MARCH,
MIGUEL JORDÁNERNESTO LARRESSE Y OSMAR NUÑEZ
SON LOS RESPONSABLES DE DARLE VIDA A ESTA PARTICULAR ORQUESTA E HISTORIA.
************
A partir del viernes 13 de Enero a las 21 hs. vuelve “Orquesta de señoritas” al Teatro Buenos Aires. Rodríguez Peña 411. Esq. Corrientes. Informes: 5218-5214 / direccion@teatrobsas.com.ar. CABA.
Las funciones se realizarán los días viernes y sábados a las 21 hs. y los domingos a las 20:30 hs. Duración de la obra: 80 minutos. Valor de la entrada: $300-.
Síntesis argumental
"L'orquesta" (Orquesta de señoritas) original de Jean Anouilh.
La posguerra, 1947, Francia, seis mujeres y un hombre integran una triste y decadente orquesta, que ofrece todos los ritmos, en el palco de un bar de un establecimiento dedicado a aliviar enfermos de estreñimiento.
En este patético y grotesco escenario de vida estas personas luchan por sobrellevar los efectos devastadores del tiempo doloroso y cruel que sobreviene después de una guerra, cualquiera sea.
Jean Anouilh, emblemático autor contemporáneo, que ha escrito piezas inteligentes y certeras, teje aquí una trama perfecta que muestra en una situación límite de vida, a siete personajes prototípicos de la sociedad que interactúan durante su trabajo diario, mostrando sus carencias, sus dolores, alegrías y miserias y en ese marco se degradan y agreden sin piedad tratando de sobrevivir.
Melodrama impactante que presenta por su propuesta escénica de neogrotesco, momentos contradictorios de humor que como en los viejos espectáculos teatrales de nuestro teatro, hacen reír... llorar y pensar.

Ficha artística técnica
Autor: Jean Anouilh
Adaptación: Jorge Paccini
Elenco por orden de aparición: Norberto GonzaloEdgardo NievaJorge Paccini,
Carlos MarchMiguel JordánErnesto Larresse y Osmar Nuñez.
Música Original: Juan Alberto Pugliano / Vestuario: Paula Molina / Asistente de dirección y producción: Daniel Cinelli / Prensa & difusión: Alfredo Monserrat / Producción ejecutiva y artística: Norberto Gonzalo / Dirección general: Jorge Paccini.


Entrevista a Leonardo Prestia (Teatro)



Entrevistamos a Leonardo Prestia, actor y productor de La escena del crimen, los viernes a las 22.15 en el teatro El tinglado (Mario Bravo 948), nos contó sobre su participación en la obra y sus orígenes en el mundo teatral.  

1.- ¿Cómo nació tu vocación por el teatro?

Fue un día lluvioso, bien feo, de esos en los que decís para qué salir, ya venía buscando experimentar nuevas sensaciones, una de las opciones era hacerme piloto de carreras, otra era tirarme en paracaídas, estaba en el auto esperando que se abriera la barrera y que pasara un tren; y como tenía tiempo, saqué mi teléfono celular y busqué en internet, no sé por qué pero la primer palabra que leí fue teatro y así fue como llegó la decisión. Entonces seguí buscando y encontré el teléfono de Laura Bove, en ese momento ella daba clases, la llamé; me presenté un sábado bien temprano, hablamos y me acepto. Lo primero que me preguntó fue por qué quería hacer teatro, le dije que estaba buscando abrir nuevas dimensiones en mi cabeza, lo segundo que me preguntó fue si quería hacer teatro porque me gustaba o para hacer terapia y yo le respondí "aún no lo sé”.

2.- ¿Con quiénes te formaste?

En primer lugar con Laura Bove, ella fue mi primera maestra, me enseñó a despertar mi cuerpo, a sentirlo de otras formas y luego a compartirlo. Más tarde, ingresé en la escuela de Luis Agustoni; él fue mi segundo maestro, quien me moldeó como actor y me enseñó ciertos secretos sutiles de la profesión y me incentivó a seguir abriendo puertas en mi cabeza.

3.- ¿Cómo surgió tu participación es La escena del crimen?

Ya venía de una experiencia en producción, también con otra comedia de Daniel Dalmaroni, Los Opas (Otro Drama Burgués), mi segunda obra por fuera de los mantos protectores de Luis (Agustoni); a Dalmaroni le gustó tanto el resultado que decidió confiar en nosotros (Sebastián Bauzá - el director- y yo)  para trabajar con ésta obra inédita, lo cual representó para mí un desafío importante,  ya que a diferencia de Los Opas, éste era un estreno nacional, lo que hacía aumentar el compromiso no sólo con el trabajo, sino también con el riesgo  de probar todo por primera vez: el texto, las adaptaciones, el trabajo actoral y luego ver qué  pasaba el público.  

4.- ¿Cómo combinaste tu rol de productor de la obra y actor?

Con mucha serenidad, a diferencia de mi primer trabajo como productor en el cual desarrollé muchas tareas juntas (productor general, productor ejecutivo y asistente de dirección), ésta vez sólo me concentre en lo actoral ya que contamos con un equipo de trabajo muy bien resuelto. 


5.- ¿Cómo fue la elección de la obra y la relación con el autor Dalmaroni?

La obra nos vino directamente a través de Dalmaroni, fue después de haber visto el resultado y la puesta de Los Opas; quedó tan complacido con la puesta que se animó a sacar del cajón esta comedia desopilante. Ya por ese entonces y luego de un año de relacionarnos mutuamente, nos sentimos cómodos trabajando juntos, no solo a nivel profesional, sino que también se creó un vínculo de amistad y admiración mutua que valoramos mucho. 

6.- ¿Cómo fueron los ensayos?

Fueron muy gratificantes, innovadores y divertidísimos, de ese tipo de encuentros donde cada vez que nos juntábamos salíamos con ganas de volver a vernos irónicamente frustrados porque se había terminado. Recuerdo en el medio del trabajo, durante el transcurso de la investigación que uno hace para crear el personaje, reírnos a carcajadas con las ideas y las pruebas; nos lanzábamos a hacer sin miedo al ridículo. Sentíamos que íbamos a un pelotero de adultos a jugar, con responsabilidad.


7.- ¿Cómo definirías la obra?

Una comedia de humor negro, verídicamente casi irreal, donde los personajes saben que puede haber algo más pero, inconscientemente o no, lo ignoran. Es una obra donde no se subestima al espectador con resoluciones obvias y felices, muy por el contrario, lo incomoda y lo hace pensar.

Recomendados de Leo

Una película: La Vida Es Bella  (Escrita y dirigida por Roberto Benigni)

Una canción: You can do Magic (America)

Una obra de arte: El David (Escultura de Miguel Angel)

Un libro: El poder del Ahora (Eckhart Tolle)

Entrevista a Marcos Arano (Teatro)

Marcos Arano es el dramaturgo, director y actor de la obra de teatro “Silban las balas” en el teatro No Avestruz los viernes a las 23 horas. En esta entrevista nos contó sobre sus primeros acercamientos al teatro, sus maestros y algunos secretos de cómo nació la obra y el desafío de tener varios roles diferentes dentro de la misma, porque además de dirigirla es parte del elenco. Espero que les guste la entrevista y vayan a ver esta interesante puesta en escena donde un país es invadido por una potencia extranjera. 

Romina Soler: ¿Cómo empezaste a relacionarte con el teatro desde tu infancia?

Marcos Arano: Empecé a relacionarme con el teatro de chico gracias a mí tío Bernardo Forteza, que es actor. Fue él quien nos llevaba a ver obras  a mí, a mi hermano y a mis primas. Siempre había algo misterioso en lo que él hacía y de alguna manera yo sabía que eso estaba allí pero hasta la adolescencia no lo viví como un mundo muy cercano. A los 15 años comencé junto con amigos y amigas un curso de teatro en San Isidro con quien fue mi primera maestra, Nacha Ríos. En ese momento de búsqueda y desconcierto total sobre qué sería del mundo el teatro y la militancia en el centro de estudiantes de mi escuela fueron ámbitos en los cuales  pude sentirme libre y útil, comprometido y escuchado. Luego de un año y medio en ese taller, también por medio de mi tío y con mucho apoyo de mis abuelos maternos, comencé a estudiar en el Taller de Agustín Alezzo. Eso me hizo crecer mucho y me vinculó de manera muchísimo más íntima con mi deseo. A partir de allí, no dejé nunca de hacer teatro y de encarar proyectos de creación vinculados al teatro.

R. S.: ¿Quiénes fueron tus maestros a lo largo de tu carrera en el mundo del teatro?

M.A.: Por suerte tuve muchos y a todos les estoy muy agradecido. Con muchos de ellos ya no comparto algunos lineamientos técnicos o ideológicos pero todos han sumado muchísimo en mi formación y en lo que soy como artista. Para nombrar algunos Agustín Alezzo, Sergio Amigo, Matteo Belli, Bernardo Forteza y Norberto Presta, del Centro de Producción Via Rosse, Italia,  Marcelo Katz, Carolina Pecheny del Théâtre duSoleil, Duccio Belucci Vanuccini , Alfredo Iriarte, Nicolás Kohen y Gabriel Chamé Buendía, Omar Pacheco, Nacha Ríos.


R.S.: Acerca de Silban las balas, la obra que escribiste y actualmente estás dirigiendo en No avestruz, nos gustaría saber ¿cómo nació la idea?  

M.A.: Silban las Balas nace como primer producción de la Compañía Bolsas en el Viento con la cual nos proponemos investigar y desarrollar los géneros populares como las máscaras, el clown, el bufón, etc. Decidimos entonces que abordar los grandes temas de la humanidad y de los pueblos. Entonces nos entregamos a pensar qué sucede cuando un pueblo ingresa en lo terrible del mundo de la guerra. Cómo nos afecta como sociedad y a nivel individual. Nuestra propuesta tiene que ver con el humor y cómo con humor podemos hablar y reflexionar sobre las tragedias que nos cruzan como seres humanos.

R.S.: Acerca de la Compañía Bolsas en el viento, ¿cómo nació y cómo eligieron a los actores que iban a formar parte del elenco de esta obra?

M.A.: La compañía nace luego del trabajo conjunto en clases y otros espectáculos con los actores e integrantes de la compañía. La elección tiene más que ver con el trabajo conjunto, la amistad, la admiración por el trabajo del otro, un compromiso común y afinidades estéticas e ideológicas Esta es la tercer temporada de la obra y con la tercer temporada también ha habido cambios en el elenco que se mueve como compañía.

R.S.: ¿Cómo fueron los ensayos para esta tercera temporada de “Silban las balas”?

M.A.: Para esta temporada los ensayos fueron muy rápidos. Buscamos darle mayor contundencia a la obra y condensar las partes que nos resultaban más significativas. La primer versión de la obra contemplaba a 2 actrices (Mariana Mayoraz y Lourdes Herrera) que hacían muchos personajes. Eso le daba al espectáculo un juego muy interesante, una sutileza, que en la nueva versión, actuada solo por varones pasa a ser más pesada y rústica dándole un color más cruel a la situación de guerra que viven los personajes. Esto, hace mayor contraste con los momentos desopilantes que aportan los clowns al entretejido dramático. Por tanto, los ensayos se centraron fundamentalmente en apropiarnos del universo de lo bélico y que los payasos y máscaras que juegan la obra logren los matices necesarios, el juego y al mismo tiempo vayan in crescendo con el devenir de la guerra que contamos. Por otro lado, tanto en esta versión como en la primera, los ensayos siempre fueron muy divertidos y llenos de ocurrencias, por lo que lo principal muchas veces es tomar las decisiones correctas sobre qué de todo lo que se propone no entra en la puesta final.

R.S.: Además de ser el director de la obra actúas, queremos saber ¿Cuál fue el desafío en dirigirla y ser parte del elenco?

M.A.: Es algo que aún estoy acomodando. Disfruto mucho de los dos roles y como actor  me entrego en escena al juego con mis compañeros pero al terminar la función o al terminar los ensayos busco qué cosas hay que ajustar. Es muy diferente la mirada del director que la del actor y estar en ambos roles me ayuda a pensar en las dos direcciones. Es un aprendizaje continuo. También nos valemos mucho de la mirada de nuestros asistentes (Carolina Fernandez y Darío Chiocconi), de amigos y cómplices invitados a los ensayos y a las funciones y de las sensaciones que vamos teniendo cada uno de los actores en escena. Para nosotros el proceso de aprendizaje es continuo. De hecho, seguimos ensayando y ajustando la obra cada semana.

R.S.: Teniendo en cuenta tus dos miradas como director y actor y además como escritor de la obra nos gustaría que nos dijeras ¿Cómo definirías la obra Silban las balas?

M.A.: Silban las balas es una obra que en su simpleza aborda temas muy complejos de nuestra historia y de nuestro estar en este mundo. Es una obra que se escribió con una fuerte pulsión por la libertad, por defender lo que nos parece justo y por transformar y transformarnos. Además nos permite ahondar con mucho humor en el clown y las máscaras mientras hablamos e interpelamos al público sobre qué es la libertad, cuán difícil y maravilloso es construir junto a otros una sociedad diferente y hasta dónde estamos dispuestos a llegar para defender esa libertad.

Recomendados de Marcos
Una canción: Puff son muchas. Canto de Nadie de Alfredo Zitarrosa. While my Guitar Gently Weeps de los Beatles. En estos Días de Silvio Rodriguez. Y miles más.
Una película: Volver al Futuro 1 (cada vez que la pasan no puedo dejar de verla).
Una obra de arte: El Guernica de Picasso.
Un libro: Las obras completas de William Shakespeare


Entrevista a Marcos Arano por Romina Soler para La ventana arte y cultura 



SILBAN LAS BALAS de Marcos Arano
Funciones: Viernes 23 hs
Espacio NoAvestruz
Humboldt 1857. C.A.B.A. Tel: 4777- 6956
Localidades generales $150 - Estudiantes: $120

Entrevista a Gabriela Alemán (Libros)

Entrevista a Gabriela Alemán, talentosa escritora ecuatoriana que vino a Buenos Aires para participar del FILBA y a presentar su última novela editada por Random House, que se titula “La muerte silba un blues”.  

1. ¿Cómo fue tu infancia y cómo nació tu relación con los libros?
Por el trabajo de mi papa viajábamos mucho al exterior y para mí la vuelta a casa era llegar a la biblioteca donde estaban los libros de mi abuelo, que cuando falleció pasaron a la biblioteca de mi papá. Por otro lado, yo tenía una relación muy cercana con mi abuela, por parte de mi mamá, y cuando viajábamos le escribía muchas cartas contándole sobre los lugares que visitábamos. Uno de mis hermanos mayores me introdujo en la literatura, porque yo lo veía embobado leyendo los libros que se leen en la adolescencia, como Drácula, y Frankestein, y se los robaba para leerlos. Fueron los primeros libros que escogí, desde ese momento tenía una conexión casi vital con lo gótico.

2. ¿Cómo fue tu formación?
Nunca he ido a talleres, creo que mi formación fue leyendo. Primero estuvieron los góticos y  al tiempo descubrí la biblioteca que armo Borges sobre literatura fantástica y leí autores de todas partes del mundo. Por mi mamá, que es una gran lectora, descubrí a Tom Sayer, a Julio Verne, después vinieron las bibliotecas de los colegios y la compra de mis propios libros.

3. Ya eras una ávida lectora desde pequeña, y nos gustaría saber cómo fue el paso a la escritura, ¿cómo empezaste a crear tus propios textos?
Por ese entonces descubrí a Angela Carter, una escritora inglesa que se murió muy joven en los años 90, ella tomaba una escritura barroca y hacía reescrituras de textos de la literatura infantil y cuentos de terror. Hay ciertos textos que les pertenecen a todos y que uno puede contarlos desde otro punto de vista. Teniendo en cuenta todo esto y como un juego hice tres versiones de Drácula y una versión del hombre lobo que era una mujer, no desde el punto de vista feminista, sino teniendo en cuenta qué cambiaría en la historia si los protagonistas hubieran sido mujeres. Hice la reescritura de los libros de mi infancia, y tuve la suerte de que  fueran publicados.

4. ¿Qué fue lo que pasó a partir de esa publicación de tu primer libro?  
Gracias a esa publicación hubo una cosa maravillosa que se inventaron los españoles en los 90, cuando había plata en abundancia, y se trataba de un festival de literatura en un pueblito que se llama Mollina, al sur de España.  Tenía 900 habitantes pero crearon un centro para hacer encuentros y comenzaron por el de literatura. Invitaron a cien escritores menores de 30 año que tuvieran algo publicado, así que gracias a esa publicación pude participar. Cada semana estabamos con Augusto Roa Bastos, José Saramago, Juan José Arriola, todos estaban allí, desayunando y comiendo con nosotros. Fue una lección buenísima porque era gente que podía tener 70 u 80 años y estaba más interesada en conocer a los otros que en enumerar todos sus logros. Los participantes leíamos nuestros textos y ellos comentaban, fue impresionante. Nos habían organizado excursiones por la zona porque cerca de ahí había nacido Picasso y había algunos sitios de interés cultural. Cuando me leyó Arriola y me hizo dos comentarios sobre mis textos, me quede encerraba en el cuarto de las computadoras, deje de ir a los paseos y me puse a escribir textos nuevos para mostrarles. Todavía tengo una fe enorme en que este mundo es un mundo amable, donde se aprende, donde se crece.

5. ¿En qué estás trabajando ahora?
Estoy trabajando para  escribir una nueva novela basada en un personaje real, una mujer de nombre Dayuma, que fue el puente para que puedan entrar las misiones evangélicas en la selva ecuatoriana. Fue una figura muy importante. Los grupos fueran contactados a través de ella en un encuentro pacífico, se quedaron en sus territorios y negociaron con el estado ecuatoriano para que les entregaran las tierras y los correspondientes documentos. Es mucha investigación y estoy dieciséis horas al día leyendo, buscando material, entrevistando gente, mi idea es armar una novela con elementos de la historia. No es una crónica sino otra historia donde pretendo que se filtre la complejidad del dinamismo del mundo occidental donde las cosas funcionaban de otra manera y que si no hubiera existido ese encuentro pacifico muchas cosas hubieran desaparecido. Hay una transición desde un Ecuador muy rural, muy encerrado en sí mismo,  a otro que nace cuando encuentran el petróleo, se construyen carreteras y se abren las fronteras. Creo que nada es totalmente malo ni totalmente bueno, las cosas comienzan a funcionar de otra manera.


6. Contanos como nació el libro “La muerte silba un blues”, donde se cuentan varias historias pero que están ligadas entre sí por la época, los personajes, etc.
Empezó con el primer cuento que es una historia real, en 1989 un radiotransmisor ecuatoriano que se llama Leonardo Páez junto con el chileno Alcaraz, transmitieron en un programa de radio La guerra de los mundos a partir de un guión.  Consiguieron las voces del Alcalde, del cura, etc e hicieron que una ciudad entera se lo creyera, Quito estaba siendo invadido por extraterrestres, la gente huía y hasta hubo muertos. Lo que ocurre en el cuento tiene elementos de ficción con un intento de filtrar el presente, la importancia de los medios, se trata de la ficción creando una nueva realidad. Ese cuento era una novela pero cuando lo edite quedaron muchas cosas afuera. En referencia al diario de la inmigrante centroeuropea, ella no existió, es mi imaginación pero basada en un libro lindísimo que encontré en una editorial muy buena de Ecuador que publica textos históricos. Ese libro es de una mujer que hizo un doctorado de historia en Alemania y para su tesis escribió sobre su abuela que fue una inmigrante en los años cuarenta en Ecuador, entrevistó gente que vivió en la misma época que su abuela y el título era ¿Dónde queda Ecuador?. Por otro había un geólogo de la Shell, que era fotógrafo aficionado y su nieto editó un libro con las fotos junto con las anotaciones que hizo en un diario personal sobre el territorio que recorrió en la misma época. Utilicé esos dos libros para que tuviera algo real. 
La segunda parte del libro retoma los personajes que aparecen en la primera parte y esas situaciones de traición, de muerte, de locura, que están siempre en la humanidad. Ahí fui metiendo esos personajes en otros momentos de sus vidas, pero los puse en otras ciudades como New Orleans,  Nueva York, un pueblo en la frontera con Paraguay, en diferentes sitios donde yo he vivido, o que me han llamado la atención, y donde esas historias podían funcionar.

7. ¿Cómo fue la elección de los títulos de los cuentos que integran el libro?
Todos los títulos de los cuentos son los nombres de las películas de Jess Franco. Cuando ya tuve la idea de usar a Franco, fui metiendo en las historias algunos guiños para las personas que vieron las películas pero que no son necesarios para entender el cuento. Por ejemplo el niño del conejo, en la película de Jess Franco hay una mujer blanca y una mujer negra, entonces aparece el conejo blanco y el conejo negro. Hay subtextos del mundo de Jess Franco en todos los cuentos.

8. Contanos sobre la editorial que tenés en Ecuador
Se llama El fakir que es el sobrenombre de Cesar Dávila Andrade, el gran narrador de cuentos del siglo veinte en Ecuador y de quien vamos a reeditar todos los cuentos. En la editorial tenemos 13 colecciones pero nos hemos concentrado en una que es la de  Novela gráfica, estamos repatriando a grandes ilustradores y autores de novela gráfica latinoamericanos que estén conectados con Ecuador. Por ejemplo Power Paola, que es muy conocida acá en Argentina, ella nació en Ecuador, publicamos su novela “Virus tropical”, de la que dentro de poco va a salir la película. Hace dos semanas publicamos “Achiote” de Alberto Montt, que también nació en Ecuador a pesar de tener su lado chileno. Para todos aquellos que les interese la página de la editorial es www.fakirediciones.com. El plan es ganar lectores, algo complicado en Ecuador, pero vemos que hay ganas de leer. El problema es que los libros son caros y hay poca circulación, nosotros tratamos de mantener precios razonables para que todos puedan acceder a ellos.

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Entrevista a José Luís Peixoto (Libros)

Gentileza PH Patricia Pinto
Tuve el privilegio de entrevistar a este talentoso escritor portugués cuya obra poética y de ficción figura en decenas de antologías y ha sido traducida a más de veinte idiomas. Vino a Buenos Aires a participar del Filba y a presentar su última novela “Galveias” editada por Random House. Hablamos de su infancia en un pequeño pueblo rural, su acercamiento a los libros, su primera novela y muchas cosas más.  

Entrevista 

Romina Soler : Me gustaría empezar por preguntarte ¿Cómo fue tu infancia? Y en relación a eso cómo nace tu relación con los libros y las primeras lecturas.

José Luís Peixoto: Nací y crecí en un pueblo pequeño en el interior de Portugal que se llama Galveias y que es el título de mi última novela. Galveias tiene alrededor de mil habitantes y mi infancia tiene mucho que ver con ese lugar con características propias dentro del contexto portugués. Se trata de una ambiente rural y de algún modo me ha permitido una infancia muy libre, donde puedo decir que llegué a conocer y relacionarme con los mil habitantes de ese pueblo, porque en un lugar tan chico como ese toda la gente se conoce. Fue una infancia en la cual los libros llegaron despacio, pero con mucho tiempo para disfrutar de ellos. Mis primeros contactos con los libros fueron de una manera muy curiosa, y hoy en día para la mayoría del mundo un poco rara, era a través de lo que llamamos “biblioteca itinerante”, se trataba de un coche lleno de libros que llegaba al pueblo una vez al mes y se aparcaba en la plaza principal. En ese tiempo empecé a leer libros que no eran necesariamente para mi edad y que me abrieron muchos horizontes y sueños.
Yo nací en el año de la revolución, que terminó con la dictadura portuguesa, y por eso 1974 es un año muy importante en la historia reciente de Portugal.  En ese año se empezaron a publicar de una manera sistemática los libros que antes eran prohibidos, muchos de ellos con visiones políticas y sociales que de algún modo se planteaban en contra de la dictadura. Algunas de esas novelas de tinte neorrealista fueron las primeras lecturas de libros de adultos que más me marcaron, muchas de esas novelas hablan de mi región, una zona de latifundios donde  es muy visible la cuestión de los trabajadores y los propietarios. De todas formas, lo que realmente me llevó a escribir fue la poesía portuguesa, que tiene una gran tradición y grandes autores. No es fácil que uno se quede indiferente ante ellos, como en el caso de Fernando Pessoa.

R.S. ¿Cómo fue el paso de esas primeras lecturas a la escritura, a bajar tus palabras en un papel?

J.L.P.: Lo que más me sedujo de la escritura es que tenía un espacio donde ejercer todas mis voluntades, donde todo lo que deseaba era posible. Las primeras palabras llegaron con la admiración de distintos textos que leí y la intención de hacer lo mismo. Al tiempo me quede muy impactado con la posibilidad de escribir sobre las cosas que estaban ahí y yo conocía. Cuando uno vive en un pueblo pequeño del interior se acostumbra que lo que conoce y está a su alrededor nunca es materia de las películas del cine o de la televisión, entonces ponerlo en papeles y mirarlo de esa forma en un juego que me gustaba mucho. De alguna manera se puede decir que la literatura me atrapó, me quedé envuelto en esa red y ya no tuve la posibilidad de salir ni de mirar las cosas de otra manera.  

R.S.:  ¿Cuál de tus libros fue el primero en ser publicado y qué podes contarnos de él?

J.L.P.: Mi primer libro lo publique en edición de autor es un libro que aquí llegó por una edición uruguaya, que también se editó en Colombia y en España. La edición en español se llama “Historias de nuestra casa” y junta dos de mis libros. El primero que publiqué y que es el primero de esa edición se llama “Te me moriste”, lo escribí entre los 21 y los 22 años y lo publique a los 26 años, habla sobre la muerte de  mi padre. Es un libro íntimo que abre un camino que para mí fue muy importante, porque de algún modo todo lo que escribí después lleva algo de ese pequeño libro. La segunda historia publicada, en la versión en español, es otro libro que se llama “Cal”,  que es la materia con la cual las casas tradicionales están pintadas todas de blanco. Es un libro en el cual los protagonistas de cada relato son personas mayores y las historias tienen lugar en un espacio rural. Esta edición conjunta decidí llamarla “Historias de nuestra casa” porque los dos libros, de alguna manera, son muy próximos a mi experiencia personal.

R.S.: Tenes una gran trayectoria como escritor a nivel mundial, con 5 novelas publicadas, múltiples libros de relatos, poesía y varias obras de teatro, quisiera saber si ¿Tenés una rutina para escribir o una forma de organizarte?  

J.L.P.: Si, hay un período en el cual no escribo nada en el papel pero trabajo la idea mentalmente, intelectualmente, y después otro período en el cual realmente empiezo a escribir, para todo eso se tiene que tener disciplina. Lo ideal es tener todo el tiempo y disponibilidad, pero en el mundo real lo que pasa es que uno tiene muchas más cosas que hacer y si no tenes una organización, una disciplina, difícilmente logra alcanzar tu pleno potencial de trabajo. Escribo a cualquier hora del día en mi computadora, creo que es una manera limpia y me parece poética en el sentido que uno escribe en la luz. Yo estudié dactilografía en la escuela y me gusta escribir con todos los dedos, poner las manos como si estuviera amasando el pan o tocando el piano. Escribo cuando puedo y mucho.


R.S.: Ahora me gustaría preguntarte acerca de “Galveias”, tu última novela, que como nos contaste lleva el nombre del pueblo donde naciste, ¿cómo se fue gestando esta historia que encierra tantas historias?  

J.L.P.: Esta novela viene como consecuencia de lo que escribí antes, sobre todo de ese primer libro “Te me moriste”, que publique hace 16 años y algunos libros en los cuales me detuve sobre mi propia identidad. Galveias es un pequeño pueblo portugués, que incluso en Portugal mucha gente no conoce, pero que existe y eso tiene mucha importancia. Yo crecí ahí y quería hacer una novela que reflexione sobre esa pequeña comunidad, sobre las relaciones entre los habitantes y al mismo tiempo hacerle un homenaje a ese espacio concreto, a ese tipo de vida y confrontarlo con otras posibilidades, y al mismo tiempo dejarlo fijo. Así llegue a la idea de escribir una novela con ese título. Después vino la tarea de encontrar todo lo necesario para que la novela pudiera justificar un título así. Lo que hoy existe es una novela hecha de múltiples personajes que es la suma de muchas historias, de muchas miradas, una multitud de personajes algunos más positivos otros más negativos, con distintos sabores, que intentan sugerir una comunidad, un colectivo de personas.  
Hay un aspecto curioso que es la manera como el libro es leído dentro y fuera de Galveias. Las referencias geográficas existen porque las calles están ahí así como la plaza, la escuela, todo se puede visitar, pero lo que es autobiográfico y lo que es ficcional es una especie de tesoro que solo puedo compartir con las personas de Galveias, y ellos lo saben por lo tanto, yo no necesito explicarle nada. Esa es una pequeña ventaja que tienen los habitantes respecto de los demás lectores. Es curioso, pero no es lo mismo leer este libro en Argentina que leerlo en Portugal. Esto permite una reflexión sobre como la literatura atraviesa espacios y culturas de una manera muy concreta. Yo creo que hay algo muy peculiar en el hecho de que la ruralidad siendo muy específica de algunos lugares tiene características transnacionales, por ejemplo, hay aspectos de la ruralidad argentina que se comunican de manera directa con la ruralidad portuguesa o china. Además de la ruralidad está la cuestión de las pequeñas comunidades que tienen características propias, aunque creo que las grandes ciudades como Buenos Aires están compuestas por distintas comunidades formadas por una persona y la gente con la que se relaciona. En el libro se habla de Galveias como un pueblo que es una isla, que no es perfecta porque se comunica con otros lugares pero que tiene las fronteras muy marcadas. De algún modo de forma más difícil de definir creo que todos tenemos nuestra Galveias, nuestra comunidad, nuestro círculo.

R.S.: En el inicio de la novela se habla de un meteorito que cae en el pueblo, es algo que tomaste de la realidad?  

J.L.P.: La caída del meteorito no existió, es una metáfora, es algo que toca todas las figuras, los nombres, los personajes. En la novela todo esta nombrado con la excepción de la cosa que cae, los personajes se refieren a ella como “la cosa sin nombre” y que de algún modo hay cosas sin nombre que cuando ganan nombre pierden su fuerza.

R.S.: ¿Cuánto tiempo te llevó escribirla?
J.L.P: Empecé a concebirla después de mi novela anterior que se llama Libro. En el medio escribí otras cosas, pero puedo decir que “Galveias” me llevó aproximadamente dos años escribirla.

R.S.: Quisiera hacerte una pregunta personal ¿Todavía vivís en Galveias?

J.L.P.: No, me fui hace mucho tiempo. Recién cuando salí de ahí empecé a escribir sobre Galveias, creo que tiene que ver con la necesidad de perspectiva que te da la distancia. Al mismo tiempo muchas veces desgraciadamente solo cuando perdimos algo nos damos cuenta de todo lo que tenía de positivo. En los años de la adolescencia yo quería salir y conocer otras cosas, vivir en un lugar más dinámico para un adolescente, cuando salí de allí me di cuenta de lo mucho que me hacía falta y que estaba presente en mi centro, en mi estructura. 


Entrevista a José Luís Peixoto por Romina Soler para La ventana