Entrevista a Cristian Majolo (Teatro)

Gentileza Ph Micaela Chiozza
Entrevisté a Cristian Majolo, talentoso director y actor, quien nos contó acerca de sus orígenes en el mundo teatral y de su última puesta en escena de la obra "Jamás me levantó la mano" de Marcos Casanova con la actuación de Romi Pinto y Malena Luchetti en el Tadrón Teatro. 

1.- ¿Cómo elegiste la obra Jamás me levantó la mano para llevarla a escena?

Nací en Tandil y desde pequeño iba a los talleres de teatro que dictaba la “Facultad de Arte” y luego al “Club de Teatro” donde daban cursos y talleres de actuación. Seguí haciendo cursos en paralelo con la Universidad, Facultad de Arte donde estudié la carrera de actor, Profesor de Juegos Dramáticos y el Profesorado de Teatro y la Licenciatura en Teatro, durante 5 años. En el Club de Teatro conocí a Marcos Casanova, el autor de la obra, fue mi profesor, director y nos hicimos amigos.  La primera obra de Marcos que dirigí fue “El flete” que tuvo mucho éxito en Buenos Aires, y la hicimos en el Teatro Bambalinas, ex Artaza en calle Corrientes durante el 2013-2014. En el año 2015 funde mi estudio de teatro “Estudio Aquí y Ahora” donde además de dar clases de teatro para principiantes,  tengo un  grupo de entrenamiento de actores  con los que hicimos otra obra de Marcos que se llama “Arriba las manos” con mi adaptación.  A fin del año pasado Marcos me dijo que tenía una obra nueva y me la envió para ver que me parecía, se trataba de “Jamás me levantó la mano”. Yo leí la obra, intercambiamos opiniones y me la dio para que la llevara a escena. Por lo tanto tenemos una química y una confianza en la labor del otro que va más allá de cualquier argumento y que me permite tomar su obra y a partir de su historia, también crear mi propia historia.

2.- ¿Cómo fue la elección de la puesta en escena?

Esta vez desde la dirección, me propuse algo diferente. Buscaba para esta una puesta más performática, más moderna. Acá en Buenos Aires es distinta la movida del interior y frente a la falta de presupuesto amplio de producción, a lo teatro independiente, la estrategia es hacer un gran laburo de dirección actoral y una puesta en escena sin fisuras y arriesgada. Por ello, desde el inicio de los ensayos me programe una Puesta bi-frontal (con dos frentes), para generar una dinámica vertiginosa, de la mano de un texto resistente y visceral en donde el espectador no sabrá “de qué lado estar” y podrá descubrirle el alma a los personajes y su vez ver los ojos de quien tiene sentado enfrente. Generando un estado intimista, expresando sentimientos esenciales y simbolizando temas de la vida cotidiana de una “familia disfuncional (madre e hija) de clase baja Argentina. Logrando así una puesta imprevisible y haciendo partícipe al espectador del espacio escénico, logrando que le resulte visualmente atractivo y coreográficamente impredecible y riesgoso.

3.- ¿Cómo fue la elección de las actrices?

Cuando decidí llevarla a escena la llamé a Romi Pinto porque la conozco de hace 3 años y nos encanta trabajar juntos. Creo que ella es multifacética, camaleónica, una de las mejores actrices que hay en Buenos Aires. Por lo tanto debía convocar a dos actrices que desde el “fisic to rol” posean rasgos y facciones similares para reforzar desde lo vincular el parentesco de madre e hija. Además la obra “Jamás me levantó la mano” requería según mi punto de vista de un potencial enérgico muy amplio y un instrumento emocional súper desarrollado como actrices. Una vez que Romina me dijo que sí, le planteé que necesitaba conseguir una chica para que esté al lado suyo, que tenga escenario, que tenga oficio y que se banque estar en escena toda la obra y sea histriónica, además de buena actriz. Creo que cuanto más viejo es el actor mucho mejor se pone, porque eso te lo da la experiencia. Entonces la encontré a Malena a través de Romi, fue ella quien me la propuso porque la conocía de hacer un corto juntas. Yo pensé que Malena no iba a querer hacerlo, entonces la llame por teléfono y pegamos onda enseguida, esa primera llamada duró más de dos horas. Para ese momento estábamos en diciembre, nos juntamos, leímos la obra todos juntos y  me fui de mochilero diez días a Chile porque ya lo tenía programado. El quince de enero de este año nos juntamos a ensayar, lo hicimos por cuatro meses en Actores y después uno en el teatro. Empezamos a trabajar primero  con el vínculo, la conexión, la mirada, la percepción, lo visceral. Luego lo lúdico y por ultimo fuimos al texto. Con el texto donde les  dije que mi intención era que el trabajo de ellas traspase la historia,  que los personajes existan por fuera de ese momento donde las ven. Hicimos un trabajo centrado en lo emocional y en el juego permanente.


Gentileza Ph Gastón Tomasetig 
4.- ¿Cómo fue la elección del grotesco para la puesta en escena?

El grotesco me gusta mucho, yo participé como actor en tres o cuatro obras de Discépolo, quien es el referente en Argentina de este género.  Podría decir que Discépolo es un Shakespeare argentino sintetizado, que va a lo esencial, a lo más profundo, a lo más miserable del ser humano, todos han aprendido de Discépolo y después de Monti. El grotesco en esta obra me permitía jugar con distintas poéticas. Me gusta jugar con los límites, arriesgar, sorprender al espectador, jugar con los distanciamientos, lo absurdo, lo lúdico, lo surrealista, no ser previsible y cuando se tiene actrices que te lo posibilitan, hay que aprovecharlo. Por eso hicimos una obra visceral, salvaje y a puro vértigo. Nada conformista. Jamás me levantó la mano estaba planteada textualmente desde el autor Marcos Casanova como una comedia costumbrista, pero cuando decidí colocar al personaje de Fátima en una silla de ruedas para re significar la obra, generó un dramatismo que transformó ésta obra en un drama cómico, una tragicomedia profunda, un humilde grotesco Discepoleano pero actual, que se convierte por momentos en costumbrista, cruel y a su vez absurda, con mucho humor y urticante; por otros, en  reflexiva y con la que es absurdo no sentir cierta empatía. Logrando de esta manera que el espectador se ría y se conmueva al mismo tiempo. La imposibilidad de la madre de bailar no es “porque no quiere” sino “porque no puede”, deja de ser un capricho, hay una realidad física que se lo impide. Otra de las modificaciones que hice fue que la madre FATIMA , de chica soñaba con ser bailarina y no peluquera como decía la obra. La puesta en escena fue una decisión, el hecho de que  convivan en este ambiente asfixiante de cuatro paredes donde el inodoro convive al lado de la mesa y del colchón. Que haya una máquina de coser y la contradicción de que ella sea costurera y no puede accionar los pedales con los pies sino que tiene que crear un sistema para poder hacerlo. Fusionar la danza clásica con la cumbia, una puesta bifrontal donde el espectador se enfrenta a sí mismo. Me gusta lo complicado en el sentido de hacer fácil lo difícil y en cuanto a la puesta, el hecho de que puedas bajar el volumen de los diálogos  y te parezca atractivo coreográficamente e imprevisible.

Gentileza Ph Micaela Chiozza 
5.- ¿Qué te propusiste como director?

Decidí profundizar más esa línea poética costumbrista que el autor desarrolla desde sus textos y llegar a mis límites como director de actores y puestista.
En líneas generales como director y como docente yo me propongo romper con el teatro de texto, de representación. Entiendo que dirigir una obra de teatro no es montar un texto, sino contar un universo, otra historia a partir de una historia escrita. En referencia a “Jamás me levantó la mano”, yo tenía con el autor la libertad de decidir sentar a la madre en una silla de ruedas, agregar escenas como por ejemplo la escena previa cinematográfica donde la hija llega a la casa con el goteo de la noche,  la escena del momento peronista  y el encuentro durante el certamen de baile mismo que no aparece en la obra.
Cuando leí la obra la primera imagen que se me vino a la mente fue la madre en la silla de ruedas pidiéndole a la hija que la levante para bailar, es una foto que tengo en la cabeza desde el primer día, y no sé por qué. Creo que  metafóricamente cuenta que los padres llevan el peso de los hijos y llega un momento de la vida que los hijos llevan el peso de los padres. Además de superar el mito de que la discapacidad es una "falta", cuando en verdad solo necesita ajustes necesarios para suplir esa limitación". A partir de esa imagen partí hacia adelante y hacia atrás. Había que llegar a eso y superarlo.
Por eso ahonde desde la puesta problemáticas sociales y actuales como la violencia de género, el abandono, la manipulación, la incomunicación, la dependencia, el maltrato intra familiar, psicológico-verbal como físico que encontré en el subtexto e intersticios de la obra y sumarle  la discapacidad, la discriminación y la superación personal pese a las adversidades, que podíamos desarrollar con el accionar y la exploración actoral. Es una obra que habla del “ser-humano”.+
Lo que pretendo como director es que el ser humano entienda que ser padre y ser hijo son los oficios más difíciles del mundo, nadie nació sabiendo como ejercerlos, por lo tanto es algo que se construye y que si lo hacemos con amor, será muchísimo mejor.

6.- ¿Cómo fueron los ensayos?

Desde mediados de  enero ensayamos 3 veces a la semana durante tres horas. Había mucho texto y  fue laburo, laburo. Cada ensayo era llegar y jugar, proponer. Al principio me preguntaban cómo, porque, donde, hasta que se entregaron. Una de las primeras cosas que incorporamos fue la silla de ruedas, porque yo quería que no fuera un impedimento sino la posibilidad de otras cosas y quería que Romi la trabaje como una extensión de su cuerpo y así fue. Durante el proceso de ensayos nos pasaron cosas movilizadoras a los tres, mudanzas, separaciones, cuestiones familiares. Todos lloramos en algún ensayo porque nos removió algo personal, nos movilizo así como moviliza al espectador. En la obra están nuestras almas y nuestras historias de vida. Como método de montaje y puesta en escena, por así llamarlo, decidí montar primeramente una estructura de toda la obra, “un esqueleto borrador” de principio a fin para luego poder profundizar con tranquilidad cada situación, composición de los personajes y “momentos” de la obra. Pudiendo luego, jugar arriba de lo coreográfico y de la partitura corporal


Gentileza Ph Facundo Morales
7.- ¿Cómo definirías la obra?

Por momentos es teatro dentro de teatro, metateatral y por otros es muy naturalista, el hecho de arrancar con grotesco me permite llegar al realismo y que sea tragicómico. Yo me propuse que sea una tormenta emocional, que de pronto estés llorando y te rías, o vos estés llorando mientras que el que está sentado al lado se está riendo. Pero sobre todo que la obra te remueva las fibras y que en algún momento te identifiques. Sé que la obra te puede gustar o no pero hay dos cosas que no podes negar la primera es que hay trabajo, indagación, ensayos, y la segunda es que en algún momento vas a sentirte identificado, vas a ver en esa madre a tu mamá o a tu tía, a tu abuela y en esa hija a vos. Cuando termina la obra el público se acerca a agradecernos, te abrazan y lloran, hay otros que bajan las gradas riéndose.

Por lo tanto esperamos que al disfrutar de “Jamás me levanto la mano” hacer reflexionar acerca del especial vínculo Madre-Hija, y que cada uno de los espectadores se vaya atravesado emocionalmente y al abrir la puerta de su casa, se encuentre con su hijo, madre o padre, se mire a los ojos y se dé cuenta que seguramente hay muchas cosas que han hecho mal ambos y tal vez sea tiempo de mejorarlas. Si logramos eso, siento que nos sacamos el Prode, no necesitamos más. Sin dudas es una obra para disfrutar con tus padres o con tus hijos.


Mi opinión sobre la obra: 
La decisión del director, Cristian Majolo, de encarar la obra desde la poética del absurdo es  acertada. La relación de esta madre con su hija crece principalmente desde lo corporal, las palabras por momentos son las protagonistas y en otros quedan en segundo plano. El público se siente incómodo, cómplice y al mismo tiempo encuentra en lo cotidiano de las situaciones una identificación personal que lo hará reír y llorar, siendo el espejo de los espectadores que están sentados enfrente. Una puesta en escena pensada hasta en el más mínimo detalle en la cuál el director supo explotar el talento de estas actrices que ponen cuerpo y alma en escena dando vida a dos personajes entrañables. (Romina Soler para La ventana) 


Info: Quedan dos funciones. Reserven sus entradas !!!!
SÁBADO 1 DE OCTUBRE 20:30HS Tadron Teatro (Av.Niceto Vega 4802)
SÁBADO 8 DE OCTUBRE 20:30HS Tadron Teatro (Av.Niceto Vega 4802)


Nueva York: Bronx Historical Tours (Viajes)


BRONX HISTORICAL TOURS

Una forma distinta de conocer el Bronx es acompañada por Alexandra Maruri, que se crió en ese barrio. Caminar por las calles con ella es ser parte de la comunidad, visitarlo desde adentro. Alexandra se mudó con su familia cuando tenía 5 años y aún viven todos ahí. Ella trabajaba en un importante hotel en Manhattan, donde los huéspedes le consultaban sobre los lugares para visitar y qué cosas hacer en Nueva York, muchos estaban interesados en conocer el Bronx pero ninguno se animaba a ir solo. Fue una pasajera que le dijo a Alexandra, yo sólo iría si fuera acompañada por vos que sos de ahí, esa fue una de las señales que la llevó a Alexandra a sacar su licencia de guía y abrir su propia empresa de tours. Yo hice dos tours distintos con ella, el primero fue al barrio italiano del Bronx y el segundo a conocer la parte sur del Bronx, que es la que está cerca de Harlem. Hice un informe sobre cada uno de los recorridos para que puedan saber de qué se trata y elegir el que más les guste, o si tienen tiempo hacer los dos porque son muy distintos e interesantes. Siempre tuve ganas de ir al Bronx y esta fue una hermosa experiencia.

Tour por Little Italy en el Bronx
Nos encontramos con Alexandra y el resto del grupo en la Estación Central. Allí nos presentamos todos y nos dirigimos a una pequeña puerta que daba a una de las plataformas. Subimos a un tren con asientos súper cómodos, y grandes ventanales y pensé: la aventura comienza. Siempre tuve la inquietud de visitar el Bronx y al conocer a Alexandra pensé que era mi oportunidad de hacerlo acompañada por alguien local que me contara un poco sobre la historia y me llevara a recorrerlo. Durante el viaje en tren nos dió una introducción sobre la historia del Bronx y de los edificios que íbamos viendo por los grandes ventanales. Al llegar a la estación elegida, comenzamos el recorrido a pie, nuestra primera parada fue la puerta de una Universidad donde estudiaron muchos famosos, y de ahí nos dirigimos al barrio italiano, son varias cuadras llenas de locales con comidas y productos típicos, muchos de ellos elaborados ahí mismo de generación en generación. Uno de los primeros lugares donde paramos fue Tino's Delicatessen. Allí probamos la deliciosa mozarella, preparada esa misma mañana por la mujer del dueño. También visitamos una típica pastelería italiana Artuso's  donde había desde pasteles hasta cannoli's, riquísimos. La casa Calabria Pork Store, tiene el techo lleno de salamines colgados y sobre el mostrador varios platos con muestras para que la gente pruebe. Entramos a una casa de pastas caseras donde nos mostraron las antiguas máquinas de hacer fideos,  que usaban las primeras generaciones que abrieron los locales. Todos los negocios son familiares y fueron pasando de generación en generación.  
Alexandra conoce a cada uno de los dueños y los empleados de los negocios, les contará la historia de las distintas familias y su descendencia. Recorrer el barrio con ella es una experiencia única porque además de conocer los lugares podrán degustar vinos, salames, mozzarella y varias exquisiteces. 

Tour al Sur del Bronx
Me encontré con Alexandra en el hall de la Estación Central en Manhattan y de allí fuimos en subte a la primera parada del tour, Harlem. Para llegar al Bronx hay que atravesar un puente caminando por la parte peatonal, donde nos cruzamos con vecinos que hacen las compras y gente que hace deporte, el  puente Willis Avenue es parte de la famosa maratón de Nueva York, que pasa por donde ahora vemos pasar los autos y algunos camiones, me comenta Alexandra. Al terminar de cruzar el puente llegamos al sur del Bronx, allí vemos algunas fábricas de pianos, muchas de ellas ya abandonadas porque fueron compradas para proyectos inmobiliarios. Es una zona que está en pleno crecimiento, hay varios bares modernos, galerías de arte y negocios de diseño, las paredes están llenas de murales enormes, el Street art en esta parte de Nueva York es increíble. Uno de los negocios que más me llamó la atención es el de Jerome Lamaar, un diseñador independiente que nació allí y acaba de abrir su local con prendas propias y de otros diseñadores, tiene ropa, objetos, arte, joyas, realmente daban ganas de comprar todo. Tuve la oportunidad de conocer a Jerome, que se encontraba ahí preparando todo para la inauguración que era esa misma semana, charle un rato con él acerca de su última colección y nos sacamos fotos. Es muy talentoso y sobre todo generoso, porque le da la posibilidad a otros emprendedores de vender cosas en su local. Luego continuamos con Alexandra la visita caminando por las calles del barrio mientras nos contaba anécdotas de cosas que pasaron ahí, pasamos por una Iglesia, fábricas y viviendas características del Bronx. Con todos estos cambios la zona está progresando muchísimo y hay un auge de cosas nuevas.


Conclusión: Visitar el Bronx es muy interesante para todos aquellos que les gusta conocer la historia y la cultura de los lugares donde viajan. Les recomiendo los tours que organiza Alexandra porque ella misma los acompaña como guía, sabe muchísimo de la historia del lugar y de las personas que pasaron por ahí, como de cosas actuales, pueden hacerle todas las preguntas que quieran. Los tours son una parte en transporte público y otra a pie.  Además de inglés habla perfecto español para aquellos que prefieran hacer el tour en su propio idioma.

Les dejo el link de la página para que puedan consultarlo www.bronxhistoricaltours.com

Algunas fotos de los recorridos











Entrevista a David Desola (Teatro)

Entrevistamos al dramaturgo español David Desola que se encuentra en Buenos Aires y nos contó sobre su infancia, su relación con los libros y la escritura, los proyectos, y muchas cosas más

1.- ¿Cómo comenzó tu relación con los libros desde pequeño?
Con una biblioteca irregular en la casa de mis padres, que era también la de mis abuelos, y donde mi abuelo compraba libros de segunda mano en función del hueco que tenía que cubrir en la estantería; de modo que tanto podía llegar a casa un libro de cocina, como uno de Dostoievski o de Thomas Mann. También por la influencia de mi madre, maestra y poetisa machadiana, o la de mi hermano mayor, que era un fanático de la ciencia ficción, en novela y en cómic. Podía leer, con igual entusiasmo, Los miserables, La montaña mágica, Yo robot, o cualquier novelita juvenil de la saga de "Los tres investigadores; o "Los cinco".

2.- ¿Cuándo empezaste a escribir?
Desde que aprendí a escribir, mi padre nos animó -a mí y a mi hermano- a escribir relatos cortos, y nos daba una compensación económica por ello. Puede decirse que empecé a escribir para comprar golosinas. Luego, en la escuela, me presentaba a los concursos literarios por el mismo motivo y, de adolescente, para gustar a las chicas. El fútbol no se me daba bien.

3.- ¿Quiénes fueron tus maestros?
Principalmente, el tener un hermano cuatro años mayor que yo, que leía mucho y sabía de todo (o a mí me lo parecía). Cualquier libro que caía en sus manos, pasaba después por las mías. Si hablamos de "maestros" en cuanto escritores de referencia, me fascinaba John Steinbeck o George Orwell, no solo por cómo escribían sino por los temas que trataban, que luego exploré de otro modo en el neorrealismo italiano de De Sica o el cine español de Berlanga y Azcona. En teatro tuve referentes muy tardíos.

4.- ¿Cuál fue la primera obra que publicaste y cuál la primera que se llevó a escena?
Publiqué mi primera obra, Baldosas, después de que ganara el premio marqués de Bradomín y al tiempo que se estrenaba en Madríd, en el 99.

5.- ¿Cómo es tu relación con los directores de teatro que quieren dirigir tus obras?
Creo que en general es buena, porque suelo repetir con los mismos directores, en España y en Latinoamérica. En el caso de "Un charco inútil" en Buenos Aires, estoy muy satisfecho con la dirección, porque, a pesar de la juventud del director, creo que ha hecho un trabajo extraordinariamente respetuoso con el texto.


6.- Contanos de tu viaje a Buenos Aires y el estreno de Un charco inútil …
Vengo a Buenos Aires con un proyecto auspiciado por Iberescena, que produce Mara Guerra, dirige Carolina Calema, y en el que hemos construido un espectáculo en un mes, sin texto previo y partiendo de una escenografía. Ha sido una experiencia muy interesante y el resultado puede verse estos días en ElKafka teatro. Aprovechando esta propuesta, he podido asistir a varias funciones de "Un charco inútil" y conocer al equipo que hay detrás, además de crear vínculos profesionales y de amistad con el mundo teatral de la ciudad, que espero me hagan volver a ella en un futuro próximo.

7.- ¿De qué se trata el proyecto brújula?
Una escenografía, tres actrices de distinta procedencia, una directora obstinada, una productora valiente, y un mes para escribir, ensayar y estrenar una obra que no existía antes de mi llegada a Buenos Aires. Ha sido un reto arriesgado, pero muy interesante en su desarrollo y en el extraño privilegio de escribir una escena por la mañana y verla montada por la tarde. El resultado es: "El bien más preciado", una obra que habla de la guerra civil española, de la dictadura argentina, de las mujeres y de los faraones del antiguo Egipto.


Recomendados de David
Una película: Milagro en Milán (De Sica)
Una canción: "Preguntitas sobre Dios" (A.Yupanqui) -por no decir el Mediterráneo de Serrat-.
Un libro: "Las uvas de la ira" (J. Steinbeck)
Una obra de arte: "Saturno devorando a un hijo" (el de Goya). 



"Un charco inútil" 

Los jueves a las 21.30 hs. se presenta  “Un Charco Inútil”, nueva propuesta del dramaturgo español David Desola, protagonizada por Gustavo Bonfigli, Marisa Provenzano y Manuel Feito, con dirección de Matías Puricelli. En el Teatro El Tinglado, Mario Bravo 948. Entrada $230.- (Estudiantes y Jubilados $180.-) /Tels. – Informes: 4863-1188  

Desde la lona (Teatro)



Desde la Lona una obra de Mauricio Kartun con dirección de Mariano Terré.

Un colectivo Bedford del año 60 llamado “El Marciano”, cuya cabina se encuentra emplazada en un arenal detrás de un club de pueblo perdido en algún rincón de Argentina.  Su dueño, un ex campeón de Catch libra una solitaria y particular pelea con la mecánica de su socio rodante; mientras su vida laboral y afectiva se derrumban en caída libre. Seres desangelados. Antiguos héroes de un mundo que ya no existe más. Almas tiernas que no tiran la toalla y van por una vuelta más en la calesita de la existencia.  El retrato de un tiempo que aún perdura. Un pasado no tan lejano y un presente que se repite, con el marco de un pueblo que puede ser cualquiera de esta Argentina. Un grotesco donde la admiración, la compasión, la discriminación, el amor, el desengaño, el oportunismo y la “viveza criolla” se ven representados.

Sinopsis Un texto alegórico, desarrollado en un espacio imaginario pero muy  realista, donde los personajes, aparentemente pequeños,  se van agrandando a medida que transcurre la obra. Cada uno representa la decadencia de una época en crisis donde se han perdido los valores pero a la vez rescata la ternura y el desafío de volver a empezar a pesar de las dificultades. Un grotesco donde la admiración, la compasión, la discriminación, el amor, el desengaño, el oportunismo y la “viveza criolla” se ven representados. El retrato de un tiempo que aún perdura. Un pasado no tan lejano y un presente que se repite con el marco de un pueblo que puede ser cualquiera de esta Argentina cíclica.

Ficha artístico - técnica:
Actúan: Fabián Caero, Alejandra Martínez, Luciano Rojas y Néstor Pedace. Asistencia y producción ejecutiva: Mara Teit / Diseño de iluminación: Mariano Terré / Técnica: Gustavo Suárez / Diseño Gráfico: Maximiliano Florencio / Realización de vestuario: Ayelén González / Diseño y realización de Escenografía: Inés Sceppacuercia / Fotografía: Laura Gattinoni / Música Original: Miguel López / Prensa & Difusión: Simkin & Franco/ Dramaturgia: Mauricio Kartun / Dirección: Mariano Terré

Funciones: Sábados 19:30hs
Dónde: Centro cultural El Deseo
Dirección: Saavedra 569, Planta Alta (Balvanera)
Entradas: $150 (Descuentos jubilados y estudiantes)
*Reservas online con descuento Alternativa Teatral
Informes: 4941-4954 / Por mail: cceldeseo@gmail.com




Entrevista a Ruben Pires (Teatro)

Entrevistamos al Ruben Pires, director y dramaturgo de Beckett y las abejas, que se presenta todos los sábados a las 19 horas en el Teatro de La Comedia, Rodriguez Peña 1062, Capital.  

1. ¿Cómo empezaste a relacionarte con el teatro? 

Creo que a partir de la lectura y el cine, aunque el primer acercamiento a La relación comenzó a partir de asistir al teatro Municipal General San Martín a ver Romance de lobos de Ramón del Valle Inclán, con Alfredo Alcón, ese día cuando salí del teatro por primera vez, sentí deseos de escribir una obra de teatro y tenia 16 años.

2. ¿Con quiénes estudiaste? 

Estudie actuación con: Ricardo Passano, Escuela Nacional de Arte dramático (carrera de actuación), Escuela Municipal de arte dramático( Posgrado de actuación). Julio Ordano. Augusto Fernandes. Dirección con : Augusto Fernandes. Dramaturgia con Mauricio Kartum. Y en el UNA curse el posgrado de la Maestría de dramaturgia desde el 2008 al 2012 (Rafael Spregelburd, Ariel Barchilon, Susana Torres Molina, Alejandro Tantanian, Rubén Schumacher, Fernanda Cano, Ignacio Apolo, Graciela Fernández Toledo, y otros).  Aprendí mucho también de colaboradores en distintas puestas en escena como Coco Romero para la puesta de Los indios estaban cabreros, de Chame Buendía para la puesta de El pasajero del barco del sol, de Traferri para varias puestas de luces. De Alberto Bellatti en escenografía y vestuario, de Orlando Santos que fue mi director asistente durante varios años, de Eleonora Dafcik para la puesta con títeres de El silencio de las tortugas el años pasado, y tendría que enumerar a muchos de los actores de los cuales aprendí lo mejor de este oficio

3. ¿Cómo fue la elección de la  novela “La apicultura según Samuel Beckett” en que se basa la obra? 

El año pasado estrené "Esperando a Godot" de Samuel Beckett, y este año "No Yo" tambien del mismo autor, y estoy en un profundo análisis de su obra. Estaba al tanto de esto el actor Carlos Weber, que es quien representa a Samuel Beckett en la obra, me comenta de la novela y me tentó a leerla, la leí de un envión, si cabe el término, le escribí a Francia ese mismo día al autor para pedirle la autorización de transformarla en obra de teatro, le gusto la idea, me autorizó y allí comenzó el viaje.

4. ¿Cómo fue la adaptación? 

La escritura de la obra teatral me llevó un año, hasta concebir la estructura de acción para validar el contexto de lo que se transita en la obra por los personajes, la peripecia que recorren, la narrativa y el teatro son totalmente diferentes, esto no es ninguna novedad, el teatro es acción pura. Trabajé en la concepción de los desequilibrios de las diferentes escenas, desequilibrio en tanto acción dramática, en la construcción de los diferentes universos y la tarea mas bella fue la construcción de los personajes con los dos actores Carlos Weber y Carlo Argento

5. ¿Cómo fueron los ensayos? 

De Febrero a Junio a partir de la concepción de un espacio posible para la representación, si bien teníamos acordada la sala dos de La Comedia, llevó un trabajo intenso definir y acotar el escenario de la puesta en escena, a partir del juego que se fue generando fuimos pasando por distintas instancias, la incorporación de Sabrina Hovanessian para la escenografía fue de mucha utilidad para la definición del producto final. Al igual que el vestuario de Mercedes Uría. 

6. ¿Cómo definirías la obra? 

Yo podría hacer algunas aproximaciones ya que tiene varias aristas. La pieza es una comedia dramática y tiene en principio para mí, tres planos de lenguaje. El primero con el que nos encontramos a simple vista es el que se establece en la relación que se produce entre Beckett y Martín, una maravillosa amistad basada en el profundo respeto artístico y humano que se profesan ambos. Alimentada, esta amistad, por la generosidad de Beckett y la pureza y soledad de Martín. Por otro tenemos el plano metafórico, en el cual confluyen varios de los temas que propone el material, la cárcel con los presos en sus celdas , las abejas de Beckett y su capacidad de producir miel en sus celdas, la alquimia de la producción de miel y su relación con la capacidad del artista de transformar algo doloroso en belleza a partir de la sublimación. ¿Que es la libertad y que es estar prisionero? ¿Cuando somos realmente libres? ¿Cual es el poder real en los sistemas capitalistas modernos? Y el tercer plano es el político - social y la función del arte en la sociedad, en el cual se debate que el arte no puede suplantar a la política.  



Recomendados de Rubén 
Una película: Todas las mañanas del mundo.
Una canción : En música clásica: "Preludio y muerte de amor" de Tristán e Isolda de Wagner/ En
rock: El álbum " El lado oscuro de la luna" de Pink Floyd
Un libro: Un clásico "El retrato de Dorian Grey "de Oscar Wilde/ de los últimos que leí "Las partículas elementales" de Michel Houllebecq
Una obra de arte: El "Requiem" de Mozart completo



Recomendados de Broadway: Stomp (Teatro)


STOMP


Un espectáculo diferente, que puede entretener a niños y adultos, además no es necesario saber inglés porque la música es un idioma universal. Este grupo ha creado un show único, se trata de un espectáculo de percusión y ritmo con toda clase de objetos, con un sinfín de matices. La sincronización entre todos demuestra un gran trabajo previo y muchos ensayos. Además de música hay risas y juego, la complicidad con el público harán un espectáculo diferente cada noche. La parte de los encendedores es mágica, me quedé con las ganas de ver esa escena mil veces. La calidad del sonido, la escenografía que se mezcla con la decoración del teatro, las luces, el vestuario y la puesta en escena están muy pensados. Hay mucho talento en este grupo de artistas. 

Les dejo su página para que puedan ver los días y horarios de las funciones
http://www.stomponline.com/

Recomendados de Broadway: School of Rock (Viajes)


SCHOOL OF ROCK


Escuela de rock está basada en la famosa  película que protagoniza Jack Black. Es la historia de Dewey Finn, un músico fracasado que siempre soñó con ser una estrella de rock.  Sin trabajo ni dinero se muda a la casa de su mejor amigo, quien está casado con una estricta mujer que lo convence para que le cobre una renta. Una tarde atiende el teléfono y se hace pasar por su amigo aceptando un trabajo como maestro en una importante escuela para poder pagar el alquiler. Estando frente al curso deja de lado el programa escolar y decide crear con los alumnos una banda, les enseña la historia del rock y les cuenta sobre las bandas más importantes de todos los tiempos. Organiza la clase dándole a cada uno un rol de acuerdo a su personalidad y así comienzan a crear canciones para una competencia y a idear la forma para salir de la escuela. Una serie de travesuras y engaños hacen posible que estos pequeños puedan ensayar y presentarse en el concurso. El elenco se completa con una directora muy especial, un grupo de padres y profesores. Una obra divertida y para todas las edades, con una espectacular banda de rock infantil en vivo. Además de las canciones originales de la película fue Andrew Lloyd Webber quien compuso 14 canciones nuevas para crear una banda sonora. Van a bailar y cantar desde sus asientos al ritmo de la banda sonora más espectacular de Broadway.Las actuaciones tienen un gran nivel en donde el cuerpo, la voz y la destreza para tocar los instrumentos se conjugan para dar vida a los personajes  de esta maravillosa historia.  




Tours en Nueva York: A Slice of Brooklyn Bus Tours (Viajes)

TOUR DE PIZZA POR BROOKLYN

Una forma diferente de conocer Brooklyn y dos de las pizzerías más famosas.


Se trata de un tour que sale de Manhattan y te lleva a recorrer Brooklyn en bus. El tour incluye la visita a dos pizzerías muy distintas entre sí, la primera es Grimaldi, ubicada en lo que antes era un banco, allí degustamos una exquisita pizza napolitana. Vayan con hambre porque las dos porciones que te tocan son enormes. Verán la fila de gente esperando para entrar pero el tour tiene mesas especiales reservadas así que se sentarán de inmediato, les servirán la pizza y una gaseosa a elección. El segundo lugar es una pizzería siciliana, donde la masa y el sabor son diferentes a la primera, acá la gente que come en las otras son en su mayoría locales, te vas a sentir como un habitante de la ciudad. Al llegar a esta locación tienen una mesa preparada para el tour, se puede tomar gaseosas que están incluidas o comprar una cerveza a precio económico porque no estamos en Manhattan!. Además en el mismo local venden unos riquísimos helados. El recorrido del tour es mucho más que visitar estas dos pizzerías, se recorren varios de los barrios más famosos de Brooklyn y los que están de moda actualmente. Nuestra guía se llama Michelle y es una apasionada por lo que hace, además es actriz así que le dio al tour una impronta diferente y muy divertida. Nos contó secretos de las distintas casas que veíamos al pasar y de sus habitantes, en el micro hay un televisor donde puso escenas de películas famosas que se filmaron por los lugares que atravesamos, es muy emocionante porque es como estar en el detrás de escena. La última parada, antes de regresar a Manhattan es Coney Island y un breve recorrido a pie por la pasarela de madera que divide la playa con los parques de diversiones. Es estar dentro de una película poder observar de cerca las montañas rusas de madera que aparecen en tantas películas y series de televisión. Les recomiendo este tour, no se lo pierdan!  

Un dato interesante, acaban de agregar un nuevo tour para los amantes del chocolate !!

Acá les dejo la página para que puedan ver el cronograma de los tours 
https://www.asliceofbrooklyn.com/


Girmaldi s Pizzería 

Escenario de películas famosas

Pizza siciliana ! 

Coney Island

Coney Island

Vacas sagradas (Teatro)


Vacas Sagradas, una nueva obra de Daniel Dalmaroni. Es comedia sobre la discriminación y la intolerancia con un humor ácido, brutal, sarcástico para reírse con ganas de nosotros mismos, protagonizada por: Alfredo Castellani, Irene Almus, Thomas Lepera, Fausto Labraña y Nehuen Zapata. Escenografía y vestuario de Sebastian Sabas. Asistentes de dirección: Bárbara Caggiano y Tony Chavez. Dirección general: Hugo Urquijo. 

Con humor descarnado y sarcástico, en medio de una risa inevitable, VACAS SAGRADAS de Daniel Dalmaroni genera, con efecto retardado, un sentido devastador. A pesar de sus tenebrosas situaciones y de su ácida concepción de muchos de los argentinos, esta obra es extraordinariamente divertida, a tal punto que cualquier espectador va a reírse con ganas hasta preguntarse en voz baja qué habrá de gracioso en este feroz espejo oscuro de los argentinos. Humor ácido, brutal, donde lo peor siempre parece estar sucediendo en escena, cuando en realidad como espectadores se tiene la clara sensación de que lo verdaderamente peor, está por suceder.
En “VACAS SAGRADAS” de Daniel Dalmaroni el elemento de la discriminación es esencial: discriminación del extranjero, del de tez oscura, del homosexual o la transexual, del que piensa de modo ideológicamente diferente y se torna siempre un “zurdo” o un “comunista”. Los personajes son los típicos de esa clase media argentina que “se hacen los boludos”. La práctica de esa boludez no es inocencia ni ingenuidad. Aquí se puede matar o herir al otro por error porque lo verdaderamente compartido es el efecto involuntario de una total estupidez. La originalidad de Dalmaroni reside en recrear estilizadamente esa tradición en una línea de humor grotesco donde aparece su sarcástica crítica social y donde el delirio es el ejercicio del mal como una provincia de la estupidez.

Las funciones se realizan los viernes y sábados a las 22:15 hs. En la sala Solidaridad del Centro Cultural de la Cooperación.
Av. Corrientes 1543. Informes: 5077-8000/77. CABA. www.alternativateatral.com. Duración de la obra: 60 minutos. Entradas: $200.-

Recomendadas de Broadway: Something Rotten! (Viajes)




Something Rotten!

Es una original comedia ambientada en la época de esplendor de Shakespeare. Los protagonistas son dos hermanos llamados Nigel y Nick Bottom que quieren triunfar en el mundo teatral pero allí está su contemporáneo William Shakespeare quien acaba de estrenar “Romeo y Julieta” y es un éxito. Los hermanos descubren que Shakespeare está preparando una obra sobre “Enrique II”, el mismo tema sobre el que ellos están escribiendo, entonces deciden encontrar un tema nuevo, en ese momento se cruzan con un adivino llamado Nostradamus, que no será el famoso y mundialmente conocido sino su tío, quien les recomienda que los actores deberían cantar y bailar en escena, es decir, hacer un musical. Al principio esta idea les parece alocada pero frente a perder nuevamente con su rival, aceptan la idea y se ponen a trabajar en ella. Entre las predicciones les da el nombre del próximo éxito de Shakespeare, pero en lugar de  Hamlet, la información llega un poco difusa y les dice  “Omelette”,  esto desata una serie de malos entendidos muy graciosos.  
Podemos decir que se trata de una comedia de errores con tintes shakespereanos, donde se hace alusión a muchos de los éxitos musicales de Broadway,  así como a varios títulos de las obras de Shakespeare y frases famosas. La música en vivo y la letra de las canciones son excelentes así como la escenografía y el colorido vestuario hacen de esta obra un combo imperdible. Música, baile y humor para disfrutar.  

Recomendadas de Broadway: Paramour del Cirque du Soleil (Viajes)


PARAMOUR del Cirque du Soleil

Una de las obras del Cirque du Soleil llamada PARAMOUR se presenta en Broadway, en el Lyric Theatre, se trata de una experiencia fascinante a la altura de las otras obras de la compañía. Paramour está adaptada especialmente para un teatro tradicional, pero las acrobacias y la espectacularidad del circo siguen presentes en todo momentos. En este espectáculo se cuenta una historia de amor, donde la protagonista deberá elegir entre el hombre de sus sueños y su carrera artística, cuando es elegida como protagonista de películas. Está ambientada en la época dorada de Hollywood.  Con música en vivo, con personajes que salen por distintas partes del teatro, no podrás dejar de mirar para todos lados y sorprenderte, no vas a querer perderte de nada y la emoción de están en un teatro que se transforma en un circo.   
El equipo creativo está dirigido por Philippe Decouflé quien diseñó el espectáculo Paramour para el teatro Lyric Theater, la dirección artística en manos de  Jean-François Bouchard. 
La magia del Cirque du Soleil en un teatro de Broadway, se las recomiendo!
Esta es la página para que puedan ver la información sobre las funciones : www.ParamourOnBroadway.com




MUSEOS DE NUEVA YORK -Parte 4- (Viajes)


 BROOKLYN MUSEUM
Se encuentra en un edificio de más de 50 mil metros cuadrados, creado para conservar la enorme colección del museo que incluye desde piezas antiguas hasta de arte contemporáneo.
La colección de arte egipcio es impresionante, varias salas con objetos únicos. En referencia a las obras de arte hay cuadros de Claude Monet, Mark Rothko, Edward Hopper, Edgar Degas, Georgia O'Keefe, entre otros. La mayoría de las primeras obras que tuvo el museo fueron donadas por coleccionistas y residentes de Brooklyn y de todo el país. La colección permanete es impresionante y tuvieron que agrandar el edificio para poder mostrar la mayor cantidad posible. Hay varios sectores de muestras itinerantes, cuando estuve en el museo había una muestra de fotos del deporte, donde podías apreciar momentos únicos en los distintos eventos del mundo, imperdible !!!   

Me encantó recorrer este museo, es muy luminoso y las obras están dispuestas de una forma cómoda y fácil de visitar. Les recomiendo subir hasta el último piso del museo por el ascensor e ir bajando para no perderse nada. En el centro del edificio hay una zona donde dan conciertos y se puede ver desde los balcones de otras galerías superiores como si fuera un gran teatro. Les recomiendo ir con tiempo para recorrerlo y quedarse por los alrededores paseando porque hay muchas cosas para hacer.

Queda a media hora en subte desde el centro de Manhattan, tiene su propia estación de subte y en la misma zona está el Prospect Park, el Zoológico y un hermoso Jardín Botánico.






Entrevista a Patricia Suarez (Teatro)

Patricia Suárez autora de El escorpión nos cuenta sobre su infancia, su relación con los libros y cómo nació la historia de la obra a partir de un hecho que ocurrió en la familia de Patricia. No se pierdan esta interesante entrevista y vayan a ver la obra que fue llevada a escena con dirección general de Claudio Aprile y las actuaciones de Maru Costas, Cynthia Mykietyn y Alejandro Curlane. Se presentan  los domingos a las 20 horas en el Teatro La Comedia (Rodriguez Peña 1062).

1. ¿Cómo fue tu infancia? 

Me crié en Rosario durante la Dictadura; razón por la cual mis padres -creo yo porque es una interpretación mía- me compraban libros y me convirtieron en una super lectora, con tal que de no saliera a varonear a la calle. Era enfermizamente tímida e iba a una escuela de monjas sabiendo que era judía; lo cual hacía todo muy paradójico. Igual, a los 12 años tuve popularidad entre mi grupete de amigas por mi sentido del humor y la capacidad de contar historias, creé un club de lectura y escribía “best.sellers” como les llamábamos a las historias inspiradas en Nancy Drew, aprendí a nadar, y creo, fue la edad más feliz de mi vida.

2. ¿Cómo comenzó tu relación con los libros?

Al principio eran los que estaban en mi casa, la colección Robin Hood de mi mamá, después la del Reader’s Digest del living… Mis viejos no eran lectores, pero había muchos libros en mi casa -creo que por decoración- y yo leía todo. Después fue la biblioteca de la escuela católica -casi nada de ficción, un embole- y a los 12 me inscribí en la biblioteca de Empleados de Comercio, adonde estaba sindicado mi papá. Toda mi formación fue en bibliotecas, ya de más grandecita me hice de la Biblioteca Juan Álvarez y de la Constancio Vigil, las dos más grandes de Rosario. Cada vez que podía compraba libros usados -cambié a escondidas toda la biblioteca de La Ley de mi viejo que es abogado por novelas- y los dos primeros libros que canjée -a los 12, repito, la edad donde el lector sale del cascarón- fueron El exorcista de Peter Blatty y La interpretación de los sueños de Freud… De ahí en adelante, no paré un día de leer. 

3. ¿Quiénes fueron tus maestros?

En el año ’97 vine a estudiar a Buenos Aires al taller de la narradora Hebe Uhart. Una mujer inteligentísima y zen a contramano, gran escritora. Y en el ’99 lo conocí a Mauricio Kartún y estudié con él 3 años.

4. ¿Cómo te relacionaste con el teatro? 

Desde la escritura. Un día Mauricio, el dramaturgo y teatrista más generoso del mundo, le llevó mis textos de Las Polacas a Laura Yusem y a ella le interesaron para estrenarlas. Se estrenaron en mayo del 2002. No pasé un año sin estrenar. Me he peleado con el teatro, con los directores, con actores, con políticas culturales, pero de escribir y dar obras para que las hagan nunca me opuse.

5. ¿Cómo nació la historia de El escorpión y cuanto te llevó escribirla? 

El Escorpión es parte de una trilogía familiar. La primera es La tarántula y la hizo Hector Oliboni en el Teatro del Pueblo en 2011, es la parte en que el padre es amenazado para dejar la tierra a su hijo. El escorpión, que simboliza a este hijo, y Natalina, la historia de la madre de esta familia. Yo me crié y viví hasta los 32 años con mi abuela paterna, María Recchi. Y ella me contaba que su hermano -al que respetaba y hasta quería, paradigmáticamente- le había robado 7 cuadras de tierra y con su otra hermana quisieron hacerle un juicio para recuperarlas. No cuento más para no spoilear la obra, pero sobre eso se trata. Mi abuela era una mujer muy justa y que aceptaba la pobreza como el estado natural de las cosas. Decía Ojalá viviera muchos más años para aprender todos los días algo nuevo. Yo lo aprendí todo de ella.

6. ¿Cómo es la creación de los personajes?

Es lo más hermoso que hay en el universo! Te pasás horas y días y fantaseando y buscando, leyendo, oyendo la forma de hablar de personas que pasan cerca tuyo, intentando armar una psicología,.. poniéndote emocionalmente en el lugar de ese personaje… Cuando más ducho sos en este oficio, más compleja es esta parte del trabajo. Porque te tenés que poner en el lugar de TODOS los personajes; no podés ser parcial, no podés juzgarlos… Cuando terminás la obra, se convirtieron un poco en amigos tuyos. Yo me doy cuenta que hablo de ellos como de gente real…

7. ¿Por qué el título?

Porque son alimañas (La tarántula/ El escorpión) que enferman y estropean una casa, una familia.

8. ¿Cómo surgió la idea de llevarla al teatro? ¿Cómo fue tu relación con el director y los actores? 

Creo que al director -es mi pareja hace varios años- le gustan especialmente los dramas familiares y lo emociona la italianidad. Y confío ciegamente en él cuando encara una obra; a los actores los admiro mucho. Marisa Costas es una actriz que está a la altura de las grandes divas del teatro argentino.

9. ¿Cómo fue verla en el escenario? 

Emocionante, como siempre que una obra sale bien. 


Entrevista realizada por Romina Soler para La ventana


EL ESCORPIÓN de Patricia Suárez
Dirección General: Claudio Aprile
Actúan: Maru Costas – Cynthia Mykietyn – Alejandro Curlane
Funciones domingos 20 hs.
Teatro La Comedia – Rodríguez Peña 1062 C.A.B.A.- Sala 3
Localidades $ 200 - https://www.plateanet.com/Obras/el-escorpion
Facebook: ElEscorpionTeatro